CONCLUSION

El trabajo realizado en este trimestre sobre las diferentes vanguardias a lo largo de siglo XIX y del S XX me resulto muy interesante y llevadero, ya que al utilizar estas nuevas tecnologías es una buena forma de actualizar y difundir información a través de estos blogs creados por nosotras debido a que hoy en día la tecnología cumple un rol muy importante dentro de la sociedad. Me sirvió mucho para abrir mi mente a un mundo desconocido a través de la pintura con sus diferentes técnicas, , y a aprender los diferentes movimientos que no conocía, y de una forma más divertida.

Me resulto muy interesante como cada vanguardia que iba surgiendo se fue viendo reflejada por el contexto histórico. Por eso observamos que cada uno se puede diferenciar muy bien de otra, ya que tienen características y técnicas propias de cada una.

También me ayudo a darme cuenta que el arte no solo se encuentra en Europa sino que lo podemos ver en nuestro propio continente, país y ciudad.

En mi opino, El Hiperrealismo es la vanguardia que mas capto mi atención, ya que me resultaba muy difícil darme cuenta si eran fotografías o no debido a la cantidad de detalles que tenían las pinturas. Así también, me resultaron muy interesantes el Op Art y el Surrealismo. 

NEOEXPRESIONISMO

CUANDO? El neoexpresionismo es un movimiento pictórico surgido a finales de los años setenta y principios de los años ochenta en Alemania, desde donde se extendió por el resto de Europa y Estados Unidos.

Fuertemente vinculado a la transvanguardia italiana y la figuración libre francesa, este estilo surgió como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta. 

Nace como una reacción contra el minimalismo y el arte conceptual que predominaron durante los años setenta.

QUE? El neoexpresionismo se caracteriza por su agresividad, sus descarnados temas, la forma en que estos son tratados y el uso de imágenes fácilmente reconocibles como el cuerpo humano, generalmente dibujadas de manera muy burda.

El neoexpresionismo es una teoría socio cultural que postula la actual vigencia de un periodo histórico que habría superado el proyecto moderno, es decir, la raíz cultural, política y aconomica propia de la Edad Contemporanea, marcada en lo cultural por la Ilustracion, en lo político por la Revolucion Francesa y en lo económico por la Revolucion Industrial.

Se caracteriza por su oposición al proyecto del arte moderno, visto como una evolución, como un reflejo de la sociedad que lo envuelve y lo genera; rechazan principalmente el principio programático del arte de vanguardia de principios del siglo XX.

COMO? - El neoexpresionismo destaca por sus obras de gran tamaño, con una técnica agresiva: “el dripping”, pinceladas gestuales aplicadas violentamente sobre la tela. Generalmente son obras figurativas, aunque sin rechazar la abstracción.

- Retorno a las imágenes de tipo expresionista.

- Gusto por la fusión o combinación de elementos de tendencias anteriores.

- Yuxtaposición de elementos figurativos y abstractos: generalmente fondos a base de manchas o franjas de color sobre los que se disponen figuraciones contrastantes.

- Figuración (generalmente no imitativa) a base de formas esquemáticas de carácter emocional y expresivo.

- Representación de objetos de modo intuitivo y sin atender a su perspectiva dentro del conjunto de la obra.

- Ejecución de trazos amplios.

- Preferencia por el óleo, aunque es frecuente la combinación con otras técnicas (acrílicos, pinturas industriales, temple, acuarela, fresco).

- Preferencia por la pintura empastada, que puede ser mezclada con otros materiales (paja, arena, yeso, etc.).

- Temática amplia (mitologías individuales o de la cultura nacional, símbolos del poder, figuras heroicas, temas bélicos, dramáticos y satíricos, etc.) con predominio de la figura humana.

- Variedad de planteamientos expresivo-formales: abstractivo (Lüpertz), fauvista (Fetting), matérico (Kiefer), primitivista (Baselitz), sígnico (Penk). 

QUIEN? Georg Baselitz es un artista alemán, cuyo expresionismo figurativo contribuyó al renacimiento del arte representacional a finales del siglo XX. Baselitz, cuyo verdadero nombre es Georg Kern, nació en Deutschbaselitz, Sajonia, el 23 de enero de 1938. Adoptó el nombre de Baselitz en 1956, cuando se trasladó a lo que entonces era Berlín occidental, después de su expulsión de la Kunstakademie de Berlín oriental. Entre 1957 y 1964 asistió a la Academia de Arte de Berlín occidental, donde estudió con Hann Trier. Su primera exposición se realizó en 1961 en esa ciudad, junto con la obra del pintor Eugen Schönebeck, con el que publicó los manifiestos Pandämonium en 1961 y 1962. Tras alcanzar una considerable fama, recibió numerosos premios y fue catedrático de pintura en las universidades de Karlsruhe y Berlín. Sus primeras obras, con una fuerte influencia del Art Brut, se caracterizaban por la profusión de imágenes sexuales explícitas. En la década de 1960 pintó varias series de figuras monumentales a las que llamó Héroes, Rebeldes o Pastores. Al final de este periodo comenzó a realizar composiciones invertidas con el fin de acentuar sus cualidades formales en oposición a lo figurativo. Continuó realizando figuras invertidas en las décadas siguientes, como puede apreciarse en Nariz roja (1987, Städtisches Kunstmuseum, Bonn), un desnudo femenino pintado con un estilo expresivo característico. También fue célebre por algunos grabados de gran calidad y por sus ambiciosas esculturas en madera. Baselitz fue uno de los artistas alemanes más importantes de su época y tuvo una influencia crucial en la nueva generación de artistas figurativos que surgieron en Alemania y otros países occidentales en los últimos años de la década de 1970 y durante la de 1980.

En esta obra, “Cena en Dresde”, mantiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Parte de su producción podría enmarcarse en un neoexpresionismo que muestra interés por temas diversos: personajes grotescos, antihéroes, composiciones de contenido sexual o escenas desgarradoras pueblan sus obras. A mediados de los años 60 Baselitz introduce una curiosa novedad en sus cuadros: matiene la tendencia figurativa, pero las escenas y personajes aparecen pintados boca abajo, tratando de romper con el convencionalismo habitual hasta el momento en la historia de la pintura. Como afirmaba el propio pintor: "Mis composiciones del revés fueron en realidad el resulta­do de un largo proceso para intentar subvertir el orden normal de los pintores... A fin de cuentas, la provocación es la regla general de la historia de la pintura".

Fuente de informacion: http://www.buenastareas.com/ensayos/Neoexpresionismo/3465301.html ; http://ppdroppo.blogspot.es/1259678494/ https://www.google.com.ar/url?sa=t&rct=j&q=&esrc=s&source=web&cd=2&cad=rja&ved=0CDgQFjAB&url=http://www.buenastareas.com/ensayos/Neoexpresionismo/3465301.html&ei=ZOaGUeTGDoag8gT0tYDgAw&usg=AFQjCNEqiRdM0xthFWj60EREJAy5OuvTGQ&sig2=uqiZLrskUQX_uYkuzA28-g&bvm=bv.45960087,d.eWU ; http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2669 ;  http://www.tumblr.com/tagged/neoexpresionismo

HIPERREALISMO

CUANDO? El hiperrealismo o fotorrealismo fue un movimiento de neovanguardia que surgió principalmente en Estados Unidos a finales de los años sesenta en oposición al arte conceptual.

QUE? Conocido también como realismo fotográfico o realismo radical, el hiperrealismo es la escuela pictórica de tendencia realista más absoluta de la historia. El hiperrealismo pretende ofrecer una versión minuciosa y detallada de las imágenes. El Hiperrealismo busca mantener en la pintura la conexión con la visión fotográfica del encuadre y la traducción fiel de la escena.

El propósito del Hiperrealismo es acercarse a una supuesta objetividad visual en la representación de retratos, naturalezas muertas, interiores y paisajes, a través de un singular método de trabajo que compagina técnica y disciplina.

COMO? Los artistas hiperrealistas tratan de buscar, con el más radical de los verismos, una transcripción de la realidad usando los medios técnicos y fotográficos de la manipulación de las imágenes. Consiguen con la pintura al óleo o la escultura, el mismo detallismo y encuadre que ofrece la fotografía. 

QUIEN? Dager visualiza la naturaleza muerta con la nueva y magnifica modalidad de mirar el detalle. Sus composiciones están impregnadas de una luz que se capta en cada uno de sus trazos y provoca sombras radicales. Su obra contiene nuevas formas como el plástico y el vidrio presentado como elementos de contención y apropiación de las frutas, parte fundamental de su composición. A quienes observan las obras del pintor les cuesta creer que fueron logradas por mano humana, en virtud del extraordinario realismo  que logra desarrollar en sus composiciones. Por ello su obra fue analizada y valorada por un grupo críticos de arte de la Unión Europea, y como resultado le otorgan en el año 2002, el Premio Internacional Salvador Dalí, que lo convirtió en el único venezolano merecedor de ese prestigioso galardón.

Una de las características de la propuesta de Dager es el enfoque forzado en close-up que aproxima la mirada del espectador a centímetros de la pintura, y el encuadre focal que instaura la nueva manera de la naturaleza muerta, para descubrir hiperrealismo en cada sección de los cuerpos frutales.

Realizo su primera exposición individual en la Galería Díaz Manzini (Caracas). Luego mostro sus trabajos en el Ateneo de Caracas, en el Museo de la América de San Juan de Puerto Rico, en el Grand Bay Club de Miami y en la Galería 33 Praha (Praga, Republica Checa). A estas exposiciones individuales se suman diversas muestras colectivas.

La obra de Jorge Dager nos conduce a una de las tradiciones artísticas más importantes: la naturaleza muerta. Su trabajo, que aun enfocado en un género temático practicado con éxito por muchos maestros, logra un hecho insólito: la quietud de sus frutas, la inmovilidad de los objetos que aparecen una y otra vez en sus pinturas, nos hablan del presente y de nuestra condición de latinoamericanos en el siglo XXI. A fin de entender la riqueza implícita en la rendición pictórica un sencillo bodegón, debemos precisar aunque sea a grandes rasgos el rol que cumple la naturaleza en la plástica actual, y específicamente en la obra de este joven artista venezolano. También tenemos que tomar en cuenta, siempre con la idea de acercarnos o de comprender la razón de ser de las pinturas realizadas por Dager, algunos problemas del arte actual, y hacer hincapié en la relación de la naturaleza muerta con los grandes temas de la tradición artística occidental.

A Jorge Dáger le fascinan las frutas. Las representa gigantescas y esplendorosas en su saludable aspecto. Parece, que les falta solo la fragancia. Su minuciosa descriptividad causó que algunos críticos hayan visto en ellas una expresión del hiperrealismo. Y probablemente, las primeras composiciones del pintor podrían sugerir este juicio.

Las obras de Jorge Dáger representan las bien organizadas agrupaciones de las frutas tropicales, tratadas con un gran realismo; las mismas frutas que el artista conocía y apreciaba desde su niñez, vivida en gran parte en una finca familiar guariqueña. Las robustas y apetitosas naranjas, lechosas, cocos, caimitos y semerucos, a veces vistos muy de cerca, o en un corte compositivo parcial, exaltan su aspecto, de forma desmesurada, son representados en su rica y sensual materialidad de texturas. La pintura de Dáger muestra las pieles lisas y brillantes, o al contrario, porosas y ligeramente manchadas; algunas frutas aparecen abiertas, para permitir a una mirada curiosa penetrar sus gelatinosas partes internas, generosamente bañadas por la luz del trópico. Jorge Dáger como fiel exponente del hiperrealismo agranda el formato y sus frutas adquieren toda la luz. Su trabajo posee una exactitud rica en color. Su maestría es inmejorable en el manejo de la luz y en la creación de envolturas de plásticos con una precisión de versátil línea, revalorizando, eso sí, la realidad desde una perspectiva fresca y fulgurante; no hay anacronismo en su trabajo, sino una propuesta de acabada estética donde el talento y la técnica se entrelazan para brindar al espectador, en abierta exposición, una realidad de meticuloso trazo e inaudita belleza.

Fuente de informacion:

http://www.portaldearte.cl/terminos/hiperrealismo.html ; http://www.jorgedager.com/estudios.html  ; http://bibliontecario.blogspot.com.ar/2010/02/jorge-dager-le-da-vida-la-naturaleza.html

OP ART

CUANDO? El Arte Óptico es un movimiento pictórico nacido en Estados Unidos en abril del año 1958, en una exposición celebrada en la galería francesa de Denis René. El movimiento artístico quedó definido a partir de una exposición celebrada en 1965 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York titulada The Responsive Eye que agrupaba a una serie de artistas de distintas nacionalidades seguidores de esta tendencia.

Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve, buscando el principio y el fin

QUE? El Arte Óptico es una corriente artística abstracta, basada en la composición pictórica de fenómenos puramente ópticos, sensaciones de movimiento en una superficie bidimensional, engañando al ojo humano mediante ilusiones ópticas. Se utilizan estructuras de repetición con un orden claro. Frente a otras tendencias racionales, el Arte Óptico se basa en principios científicos rigurosos con el fin de producir efectos visuales inéditos. Se trata de un arte impersonal, técnico, en el que queda abierta, a veces, la posiblidad de que el espectador modifique la configuración que ofrece. Surge como una derivación de la abstracción geométrica.

Las obras del Arte Óptico interactúan con el espectador provocando una sensación de movimiento virtual mediante efectos de ilusión óptica, situación que desencadena una respuesta dinámica del ojo y una cierta reacción psicológica derivada de su apariencia sorprendente.

COMO?  Caracterizaron al Arte Óptico las creaciones compuestas por patrones de repetición de líneas, cubos y círculos concéntricos, en los que predominaban el blanco y negro y la contraposición de colores complementarios. Mediante la repetición de formas simples y un habilidoso uso de colores, luces y sombras, los artistas ópticos lograban en sus obras amplios efectos de movimiento, brindándole total dinamismo a superficies planas, las cuales terminaban siendo ante el ojo humano espacios tridimensionales llenos de vibración, movimiento y oscilación.

Tambien usa los recursos de líneas paralelas, tanto rectas como sinuosas, contrastes cromáticos marcados, ya sea poli o bicromáticos, cambios de forma y tamaño, combinación y repetición de formas y figuras, entre otros recursos ópticos.

QUIEN?  Víctor Vasarely (1906-1997), un artista húngaro  al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. que desarrolló casi toda su trayectoria en Francia, donde tomó contacto con las vanguardias (cubismo, suprematismo, constructivismo, arte abstracto) y acabó desarrollando un estilo personal que pasó de lo figurativo a lo abstracto, basado en la predominancia de las formas geométricas, a partir de las cuales conseguía interesantes efectos visuales. De este modo, las lineas y figuras geométricas de sus obras crean tramas que transmiten sensaciones diversas, tales como el movimiento o la profundidad: ilusiones ópticas que crea el ojo del propio espectador. La perspectiva se construye de una manera novedosa, sin la presencia de puntos de fuga evidentes.

"Vega Nor", 1969  utiliza el "alfabeto Plastique" para crear ilusiones ópticas. Cada color y forma fue asignado a una variable que puede ser manipulada fácilmente. La relación cinética de color y forma dio dimensión a su labor. Él y muchos otros artistas Op crearon imágenes paradójica que desafiaron las limitaciones espaciales. 

Fuente de información: http://artecomplemento.wordpress.com/op-art/ ; www.blogger.com

POP ART

CUANDO? El Arte Pop fue un movimiento que surge a finales de la década de 1950 en Inglaterra y Estados Unidos como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de la sociedad de consumo y de la comunicación de masas y los aplican al arte.

QUE?  El Arte Pop utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente para lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad de consumo. Como su propio nombre indica "Arte Popular", toma del pueblo los intereses y la temática.

El Pop es el resultado de un estilo de vida, la manifestación plástica de una cultura caracterizada por la tecnología, la democracia, la moda y el consumo, donde los objetos dejan de ser únicos para producirse en serie. Se sirve de los objetos industriales, de los carteles, de los artículos de consumo comercial. Describía lo que hasta entonces había sido considerado indigno para el arte: la publicidad, las ilustraciones de revistas, los muebles de serie, los vestidos, las latas de conservas, los "hot-dogs", botellas de coca-cola, etc. Esto se lleva al arte, surgiendo un estilo desnudo y mecanizado, de series reproducidas que enlaza directamente con el mundo de la publicidad.

COMO? Los artistas del Pop art desarrollaron diferentes técnicas de trabajo. Entre las más importantes se encuentra la serigrafía. Esta es un procedimiento de impresión utilizado para hacer reproducciones de arte o anuncios, que consiste en filtrar los colores a través de una trama de seda, mientras que se recubren con una cola impermeabilizadora las partes que no deben filtrar.

QUIEN? Andrew Warhola, Jr. (Pittsburgh, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos.

Fue personaje polémico durante su vida - algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas bromas pesadas - y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, análisis, libros y documentales, además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron, 1996). Al margen de la fama y de la polémica, está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra. 

La obra “Marilyn” (de la actriz Marilyn Monroe) es quizás la más famosa de sus obras, y refleja plenamente el espíritu de Warhol. En él se presenta a la actriz como un producto de la cultura de masas, empaquetada para el público como si fuera un artículo de consumo, un ejemplo perfecto del movimiento del Pop art norteamericano.

Fuente de información:

http://www.arteespana.com/artepop.htm ; http://popart22.blogspot.com.ar/2005/12/tcnicas-pop-art.html ; 

SURREALISMO

"La Persistencia de la memoria" es una obra hecha en 1931 por el artista Salvador Dali, que fue uno de los máximos representantes del surrealismo. 

DADAISMO

Esta es una obra llamada "Tatlin vive en casa" (1920) fue realizada por el artista Raoul Hausmann que fue muy representativo de este movimiento.

ARTE ABSTRACTO

CUANDO? El arte Abstracto es un movimiento artístico que nace con la creación de la nueva pintura por el ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna representación figurativa, sino solamente formas y colores. El arte abstracto, que abarca varios estilos bien definidos, empezó a desarrollarse en Alemania, Estados Unidos, Rusia y los Países Bajos durante la segunda década del siglo XX. Se podría decir que esto comienza a partir de la Segunda Guerra Mundial gracias a la cual, se produce una gran migración de artistas e intelectuales hacia América, lo que permitió la continuidad y evolución de las vanguardias ya establecidas durante la primera etapa. Pero en realidad, años antes, estos artistas ya exploraron la abstracción.

QUE? Es el Arte que no imita ni representa directamente la realidad exterior, tanto si el artista no se inspira en la realidad como si el tema no puede descifrarse. Se basa en la idea de que el color y la forma tienen su propio valor artístico. Esta tendencia artística se basó, no en la representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar, de allí la importancia del color en las obras abstractas. El arte abstracto consistía en extraer de una imagen figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se tiende a impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual; se busca una nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al interpretarla.

La Abstracción pictórica tiene dos corrientes:

§                       la Abstracción Lírica, que se refiere a las composiciones donde el artista parte de su intuición para expresar, por medio de color, sentimientos, ideas, etc.,

§                       la Abstracción Geométrica, que se refiere a las composiciones en donde el artista trabaja con figuras geométricas como el círculo y el cuadrado, y con líneas que partiendo de colores planos las hacen ser obras totalmente estáticas.

COMO? Remite a lo más esencial del arte, reducido a sus aspectos cromáticos, formales y estructurales. La abstracción acentúa las formas, abstrayéndolas, alejándolas de la imitación o reproducción fiel o verosímil de lo natural rechaza cualquier forma de copia de cualquier modelo exterior a la conciencia del artista.

El arte abstracto usa un lenguaje visual de forma, color y línea para crear una composición que puede existir con independencia de referencias visuales del mundo real

La abstracción se aparta de la realidad en la representación de la imaginería en el arte. Este distanciamiento de una representación exacta puede ser sólo ligera, parcial o completa. La abstracción existe con cierta graduación. Incluso el arte que pretende verosimilitud del más alto grado puede ser abstracto, al menos en teoría, pues la representación perfecta es extremadamente improbable. La obra de arte que se toma libertades, alterando por ejemplo el color y la forma de maneras evidentes, puede decirse que en parte es abstracta. La abstracción total no conserva ninguna traza de referencia a nada reconocible. El arte figurativo y la abstracción total son casi mutuamente excluyentes. Pero el arte figurativo y el representativo (o realista) a menudo contiene algo de abstracción parcial.

QUIEN? Wassily Vasílievich Kandinsky (Moscú, Rusia, 1866 - Neuilly-sur-Seine, 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.

Kandinsky, al igual que Piet Mondrian, estaba interesado también en la teosofía, entendida como la verdad fundamental que subyace detrás de doctrinas y rituales en todas las religiones del mundo; la creencia en una realidad esencial oculta tras las apariencias, proporciona una obvia racionalidad al arte abstracto.

En De lo Espiritual en el Arte, habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinsky da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.

Cuadrados con círculos concéntricos (1913) es un oleo sobre lienzo pintado a mano. Colección de cuadrados y circulos concentricos en colores vivos. Esta es una de las tantas obras maestras del abstracto Kandinsky. 

Fuente de información:

http://www.wikillerato.org/Arte_Abstracto.html ; www.wikipedia.com ; www.blogger.com

FUTURISMO

CUANDO? Es una de las vanguardias pictóricas que se desarrolló en la Italia de los primeros años del siglo XX, congregada en torno al "Manifiesto futurista" dado a conocer por el escritor Tommaso Marinetti en 1909. Un año después varios de los pintores que configuran el grupo elaboran el "Manifiesto de la pintura futurista". En el se hace una crítica a los conceptos de armonía y buen gusto, se llama inútiles a los críticos de arte y se defiende que "el movimiento y la luz destruyen la materialidad del cuerpo.

El movimiento estaba muy influido por los nuevos descubrimientos ópticos, ligados al cinematógrafo, que revelaron la multiplicación de las imágenes y de las cosas móviles en la retina. El impacto del futurismo fue muy rápido porque la exposición de Milán del año 1912 viajó por muchos países.

QUE? La característica principal del futurismo es la plástica del dinamismo y del movimiento. El efecto de la dinámica se transmitía en vibrantes composiciones de color que debían producir un paralelismo multisensorial de espacio, tiempo y sonido. Al principio, se valieron para la realización de sus objetivos artísticos de la técnica divisionista, heredada del neoimpresionismo y más tarde se aplicó la técnica cubista de abstracción como procedimiento para desmaterializar los objetos. A partir de estas premisas, la representación del movimiento se basó en el simultaneismo, es decir, multiplicación de las posiciones de un mismo cuerpo, plasmación de las líneas de fuerza, intensificación de la acción mediante la repetición y la yuxtaposición del anverso y del reverso de la figura.

Buscaban por todos los medios reflejar el movimiento, la fuerza interna de las cosas, ya que el objeto no es estático. La multiplicación de líneas y detalles, semejantes a la sucesión de imágenes de un caleidoscopio o una película, pueden dar como resultado la impresión de dinamismo. Crearon ritmos mediante formas y colores. En consecuencia, pintan caballos, perros y figuras humanas con varias cabezas o series radiales de brazos y piernas. El sonido puede ser representado como una sucesión de ondas y el color como una vibración de forma prismática.

COMO? Uno de los grandes propósitos de futurismo era poner al espectador en el centro mismo de la tela. Esta idea no era estrictamente original, ya que también Cézanne, Matisse y sus seguidores defendían este tipo de pintura. Los futuristas, sin embargo, obtuvieron de este principio una posibilidad de expresar mejor el movimiento. El invento del cinematógrafo había acostumbrado al espectador a seguir el proceso de una fotografía que se pone en movimiento. Mediante una rápida superposición de imágenes en la retina, el cine había conseguido un sorprendente efecto dinámico; en este mismo principio se basarían los futuristas para obtener la ilusión de movimiento. Desplazando las líneas fundamentales de un objeto se reproducía su dinamismo; para realzar este efecto, utilizaban una vieja técnica que Cézanne ya había usado: la solidificación de la atmósfera. Los pintores futuristas estaban conmocionados por un remolino vertiginoso de emociones. Sonidos, olores, colores, formas, etc.

QUIEN? Umberto Boccioni (Regio de Calabria, 19 de octubre de 1882 - Sorte, Veronaa, 16 de agosto de 1916) fue un pintor y escultor italiano y teórico. Es uno de los máximos representantes del movimiento futurista, en 1901 se traslada a Roma y conoce a otros pintores que también pertenecían a este mismo movimiento. Pasó algunos años en París, Rusia, Padua y Venecia.
En 1910 es uno de los firmantes del Manifiesto Futurista. Teórico del grupo en lo referente a las Artes Plásticas, publica en 1912 el Manifiesto técnico de la escultura futurista.
Boccioni estuvo muy influenciado por el cubismo, pero decidió abstenerse de utilizar líneas rectas y recurrió a los colores complementarios para crear un efecto de vibración. En su pintura, como puede verse enDinamismo de un ciclista (c. 1913, Colección G. Mattioli, Milán), expresa la sensación del dinamismo presentando una secuencia de varios movimientos al mismo.
Umberto Boccioni falleció el 16 de agosto de 1916 en Sorte, Verona, a consecuencia de una caída de caballo durante unas maniobras militares. 

La calle penetra en el edificio es uno de los cuadros que se pudo ver en la gran exposición itinerante de obras futuristas. La exposición empezó en febrero de 1912 en París , en la galería Bernheim -Jeune y recorrió varias metrópolis europeas. Una de las escalas fue Berlín , donde Herwath Walden , un entusiasta neófito del escenario artístico internacional , presentó a los jóvenes vanguardistas italianos Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini ante el público alemán en la segunda exposición que organizó en su galería Der Sturm . La muestra tuvo amplia resonancia entre el público y fue un éxito financiero para los italianos . El banquero y coleccionista Albert Borchadt adquirió buena parte de los cuadros, entre ellos La calle penetra en el edificio.

Fuente de informacion: http://4esoc.wordpress.com/futurismo/ ; http://www.arteespana.com/futurismo.htm ; http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/7707/Umberto%20Boccioni ; http://mercedestamara.blogspot.com.ar/2012/08/la-calle-penetra-en-el-edificio-de.html

CUBISMO

CUANDO? Se origino en Francia, en el seno de los artistas de Montmartre. Esta vanguardia se considera iniciada a partir de la realización de una obra :”Las señoritas se Avignon” de Pablo Icasso en 1907.

Es un movimiento que se inicia con la pintura que luego tiene influencia en la escueltura, y aunque en menor, en la literatura.

Es una tendencia esencial que dio el pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de unismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional. 

QUE? El cubismo es considerado la primera vanguardia, ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas, desaparece la perspectiva tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en un mismo plano. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia de las cosas desde un punto de vista determinado, sino con lo que se sabe de ellas. Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen, y a veces acaba representando el objeto por un solo aspecto, como ocurre con los violines, insinuados sólo por la presencia de la cola del mismo.

Dentro del cubismo observamos dos etapas: a) Cubismo analítico: Analiza y descompone la realidad para plasmarla con elementos geométricos superpuestos y con  una gama cromática restringida. No es una realidad visual sino una realidad del conocimiento, que reconstruye los objetos como se sabe que son, no como se ven.

b) Cubismo sintético: La segunda etapa del cubismo ya no se caracteriza por el análisis de la realidad sino por concebir el cuadro como una construcción de elementos plásticos, con inclusión de elementos reales. Otorga mayor importancia al objeto y a plasmarlo con cierta fidelidad, con un cromatismo más rico.

COMO? La técnica que se utiliza es la geometrización y la descomposición de las formas. También se hace uso del collage. Se utilizan los tonos pictóricos apagados como los grises, verdes y marrones.

Desaparecerán las gradaciones de luz y sombra y no se utilizarán los colores de la realidad, apareciendo en las representaciones el blanco y negro. Las formas geométricas invaden las composiciones. Las formas que se observan en la naturaleza se traducirán al lienzo de forma simplificada, en cubos, cilindros, esferas. Nunca cruzaron el umbral de lo abstracto, la forma siempre fue respetada.

QUIEN? Pablo Ruiz Picasso ( Málaga, España; 25 de octubre de 1881 - f. Mougins, Francia; 8 de abril de 1973), conocido como Pablo Picasso, fue un pintor y escultor español, creador, junto con Georges Braque y Juan Gris, del movimiento cubista.
Considerado uno de los mayores artistas del siglo XX, participó desde la génesis en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. Incansable y prolífico, pintó más de dos mil obras actualmente presentes en museos y colecciones de toda Europa y del mundo. Además, abordó otros géneros como el dibujo, el grabado, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el diseño de escenografía y vestuario para montajes teatrales. 

Las señoritas de Avignon es un cuadro del pintor español Pablo Picasso pintado en 1907. Está hecho mediante la técnica del óleo sobre lienzo y sus medidas son 243,9 x 233,7 cm. Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Este cuadro, que marcó el comienzo de su Periodo africano o Protocubismo, es la referencia clave para hablar de cubismo, del cual el artista español es el máximo exponente. Imprime un nuevo punto de partida donde Picasso elimina todo lo sublime de la tradición rompiendo con el Realismo, los cánones de profundidad espacial y el ideal existente hasta entonces del cuerpo femenino, reducida toda la obra a un conjunto de planos angulares sin fondo ni perspectiva espacial, en el que las formas están marcadas por líneas claro-oscuras.

Fuente de información:

http://es.slideshare.net/JONAER/cubismo-arquitectura ; http://www.profesorenlinea.cl/artes/cubismo.htm : www.wikipedia.com ; http://palabrasyvidas.com/biografia-de-Pablo+Picasso.html

FAUVISMO

CUANDO? Fue un movimiento pictórico francés de corta duración, ya que sus miembros continuaron evolucionando sus tendencias hacia otras corrientes, que surgió entre los años 1904 y 1908. Su nombre proviene del francés “fauve” que significa “fiera”. En 1904, Henri Matisse (padre del fovismo), pintó Lujo, Calma y Voluptuosidad, dando los primeros pasos de este movimiento.

QUE? El Fauvismo es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza, uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.

Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un ambiente cada vez más vanguardista.

COMO? Básicamente se baso en la simplificación de las formas y énfasis en los colores para dar volumen, crear planes y perspectivas. Los temas de las pinturas casi siempre eran retratos de una vida simples y feliz, así como desnudos, el mundo rural y urbano, pero muy raramente se hacia alguna crítica social/política/artística a algo.

El fundamento de este movimiento es la liberación del color respecto al dibujo exaltando los contrastes cromáticos. Los artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores, lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática.

En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado, el claroscuro o la perspectiva. La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos, trazos toscos y discontinuos, aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad.
Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento, algo que anteriormente intentaron los pintores Nabis. Esto hace que percibieran la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos.

QUIEN? Henri Matisse  (31 de diciembre de 1869 - 3 de noviembre de 1954) fue un pintor francés conocido por su uso del color y por su uso original y fluido del dibujo. Como dibujante, grabador, escultor, pero principalmente como pintor, Matisse es reconocido ampliamente como uno de los grandes artistas del siglo XX, considerado junto con Pablo Picasso uno de los más grandes artistas del siglo pasado. Al inicio de su carrera se le identificó con el fauvismo y para los años 20 ya se había destacado por su maestría en el lenguaje expresivo del color y del dibujo, la cual desplegó en una inmensa producción que se extendió por más de medio siglo, y que consagró su reputación como una de las figuras centrales del arte moderno.

Lujo, calma y voluptuosidad, en idioma francés Luxe, calme et volupté,1 es un cuadro de Henri Matisse expuesto en el Musée d'Orsay de París, Francia. Está pintado al óleo sobre lienzo y mide 98,3 cm de alto por 118,5 cm de ancho. Fue pintado por Matisse en 1904 y se considera como una obra síntesis del postimpresionismo que se convirtió en un manifiesto de lo que sería el fovismo. Aunque puede observarse una cierta influencia de la técnica del puntillismo, la utilización subjetiva del color y la simplificación del dibujo empleados por Matisse sorprendieron a todos cuando fue expuesto por primera vez en el Salón de los Independientes y después en el Salón de Otoño.

Fuente de información: www.artespain.com; http://fauvismosigloxx.wordexpress.com ; www.wikipedia.com ; www.yahoo.com

EXPRESIONISMO

CUANDO? El expresionismo es un movimiento que surge como reacción al impresionismo; se desarrolla principalmente en Alemania en el primer tercio del siglo XX; (desde 1905 hasta finales de la década de 1930), por lo cual sufre el tremendo impacto de la primera guerra mundial. Y es en este panorama donde el expresionismo apareció como uno de los primeros movimientos de vanguardia que articularon estéticamente ese comienzo de crisis en la apertura violenta del siglo XX, ya concluido.

QUE? El Expresionismo es una corriente artística que busca la expresión de los sentimientos y las emociones del autor más que la representación de la realidad objetiva. Su principal característica es la primacía de lo subjetivo, fantástico, deforme e irracional. Se proponen una renovación del lenguaje artístico al tiempo que los fauvistas y los primeros cubistas, pero éstos llevan al extremo la idea de la deformación subjetiva.

Revela el lado pesimista de la vida generado por las circunstancias históricas del momento. La cara oculta de la modernización, la alineación, el aislamiento, la masificación, se hizo patente en las grandes ciudades y los artistas, creyeron que debían captar los sentimientos más íntimos del ser humano. La angustia existencial es el principal motor de su estética.

En sus obras, los expresionistas tergiversan por completo el mundo real, viéndolo tan sólo como pretexto para plasmar sus sentimientos desequilibrados y darles forma objetiva. De ahí su inclinación a lo extraordinariamente grotesco, a mezclar los planos de la representación, a desfigurar los objetos.

COMO? Distorsiona las formas y recurre al uso de colores fuertes y puros, con combinaciones al azar, todo esto con la intención de alimentar sus obras de una desmedida fuerza psicológica y expresiva.

Está presente el uso de las líneas buscando transmitir el ritmo de los sentimientos.

Protagonizan las obras elementos como máscaras y paisajes. Se deja de lado la representación objetiva de la figura humana dando paso a rostros desfigurados y tristes.

Predominan los colores los colores azul, amarillo y verde, contrastando con el blanco y negro.

QUIEN? Edvard Munch (1863- fue un pintor noruego cuyos cuadros y obra gráfica, tristes y angustiosas representaciones basadas en sus obsesiones y frustraciones personales, característico del expresionismo.

Una beca estatal, (1885) le permitió proseguir sus estudios en París durante un breve periodo de tiempo. Veinte años después, en las ciudades de París y Berlín, Munch desarrolló la mayor parte de su producción artística. Tras una primera influencia de la pintura impresionista y postimpresionista, derivó hacia un estilo mucho más personal, obsesivamente apegado a la representación de imágenes relacionadas con la enfermedad y la muerte.

Sin inmutarse por la contrariedad, Munch y sus partidarios trabajaron durante toda la década de 1890 en pro del desarrollo del arte expresionista alemán. De entre toda su obra, la más conocida es quizá El grito (1893). Pinta también tristes y melancólicas escenas, como El puente, con figuras lánguidas, de rasgos y rostros indefinidos. El reflejo de sus ansiedades sexuales puede verse en sus múltiples retratos de mujeres, representadas alternativamente, como frágiles e inocentes víctimas o como vampiresas devoradoras de vida.

Munch realizó obras que a  lo largo de su carrera tienen hoy día una significativa consideración dentro del arte gráfico contemporáneo, un trabajo y un estilo que puede definirse como poderoso, simple, directo y fuerte.

El grito refleja sus propios temores y tormentos. Su fuerza expresiva se debe en gran medida a las técnicas y efectos pictóricos empleados, la estridencia del colorido y la sinuosidad de las líneas.

Se expresa la soledad del ser humano y su pesimismo frente las adversidades. El grito de terror trae consigo la tensión y el pánico interior que destruyen la anatomía. Los rasgos de rostro desaparecen bajo el gesto. No hay nada de realismo, se representa el interior y no el exterior.

La figura del primer plano aprieta las manos contra la cara como signo de angustia y desesperación, mientras que en segundo plano aparecen otras personas frías y distantes como queriendo significar que el prójimo no nos ayuda en los momentos de desconsuelo.

El paisaje participa en ese malestar. El cielo encendido y los torbellinos parecen envolver amenazadoramente a la persona que grita. Las líneas curvadas y sinuosas enlazan con el Modernismo, tan de moda en la época. Los colores cálidos y fríos no están compensados, su efecto es agresivo, ofreciendo una imagen angustiada de la realidad y del mundo interior.

Fuente de información: http://www.profesorenlinea.cl ; www.biografiasyvidas.com ; http://www.arteespana.com

NEOIMPRESIONISMO

CUANDO? La palabra Neoimpresionismo se empleó por vez primera en 1887 por el crítico de arte francés Félix Fénéon para designar la corriente artistica de finales del siglo XIX liderado por Georges Seurat y Paul Signac. El término de Fénéon señalaba que las raíces de estos desarrollos se situaban en las artes visuales del Impresionismo, pero se ofrecía, a su vez, una nueva lectura del color y la línea en la práctica de Seurat y Signac, y el trasfondo teórico de los escritos de Chevreul y Charles Blanc.

El contexto histórico era la relativa crisis a que afecto el grupo de impresionistas en la década de 1880, y en el estudio de los recursos técnicos que utilizaron los neoimpresionistas.

QUE? Se denomina Neoimpresionismo al movimiento artístico que surge en Francia a finales del siglo XIX, englobando el conjunto de tendencias pictóricas que profundizan en algunos rasgos de los pintores impresionistas como son los Divisionistas y los Puntillistas.

Bajo el nombre de Neoimpresionismo o Postimpresionismo se engloban múltiples tendencias y estilos. Viene a ser un crisol de diferentes técnicas y objetivos que responden a las inquietudes de los diferentes artistas. A éstos no hay que entenderlos bajo un estilo unificado y definido, sino que la obra de cada uno de ellos responde a la individualidad de sus planteamientos.

COMO?

• Preocupación por el volumen.
• Formas concebidas dentro de una geometría de masas puras, bien definidas (pero sin perfiles).
• Preocupación por el orden y la claridad.
• Retorno a la ordenación meditada del cuadro, aplicando los principios clásicos de la composición.
• Aplicación firme del principio de la mezcla optica: los tonos se dividen o desconen en los colores básicos puros para que el ojo los restituya en la visión lejana normal.
• Utilización de la técnica del puntillismo: los cuadros se pintan mediante pequeñas pinceladas o puntos de colores puros para así lograr la mezcla optica.
• Predilección por asuntos como puertos, orillas de rios y escenas circenses (Signac).

QUIEN? Seurat Georges (1 859- 1891) fue un pintor francés que Ingresó muy joven en el taller de Lehmann, donde aprendió las teorías acerca de la luz y el color inspiradas en el clasicismo de Ingres. Más tarde participó en la fundación del Salón de Artistas Independientes, que agrupaba pintores de nuevas tendencias como el neoimpresionismo o puntillismo, corriente de la que fue el iniciador. Seurat llevó al límite la experiencia impresionista y, en lugar de reproducir los efectos de la luz, empezó a pintar mediante toques aislados y a plasmar las formas reducidas a sus características esenciales. En un lapso de siete años realizó sus cuadros más importantes: Un baño en Asnières(1884), Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte(1886), su obra maestra, y Parada del circo (1888), entre muchas otras. Los aspectos técnicos de su obra influirían en los fauves, y sus rigurosos estudios teóricos, en los cubistas.

Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte se encuentra en el río Sena, en París , entre La Défense y el suburbio de Neuilly, dividida por el Pont-de-Levallois. Aunque por muchos años fue un sitio industrial, en los últimos años pasó a albergar jardines públicos y un conjunto residencial. En 1884 era un paisaje bucólico alejado del centro de la ciudad. El Sena en la tranquilidad de un hermoso día de verano. Personas sentadas, tumbadas o de pie, de perfil o frontalmente, disfrutan de la sombra, en el primer plano, o el sol que ilumina el centro de la tela. Una composición ordenada, organizada en su diseño, casi hierático, con equilibrio vertical y horizontal, suavizado por sombrillas y faldas redondeadas.  Esta fue pintada a partir del puntillismo.

Fuente de información: http://www.todacultura.com ; http://www.biografiasyvidas.com/ ; www.blogger.com